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martes, 8 de marzo de 2016

Pablo Genovés

Las imágenes de Pablo Genovés (Madrid, 1959), uno de los fotógrafos españoles de mayor proyección internacional, componen un relato sobre una civilización que se desmorona. En el proceso de creación de sus imágenes, se apropia de estampas antiguas y fotografías del primer tercio del siglo XX, encontradas en mercados y anticuarios de Europa y posteriormente las combina con otras imágenes, apropiadas y originales, mediante técnicas digitales, dándoles un nuevo significado.
Obra de la serie 'La naturaleza de los dioses' (2011-2014), de Pablo Genovés. 

Los collages de Genovés son herederos de los primeros fotomontajes realizados por los dadaístas berlineses en los años veinte y treinta del pasado siglo, aunque ya existían antes trucajes fotográficos y tarjetas postales igualmente obtenidas por yuxtaposición de imágenes. También el surrealismo cultivó las posibilidades que ofrecía el fotocollage y el fotomontaje, para subvertir el lenguaje lógico de la imagen fotográfica, aunque los recursos de los que se sirvieron esos fotógrafos de la era analógica no pueden compararse a lo que ha aportado la revolución digital.
Gracias a las herramientas digitales, las fotografías de Genovés se acercan a la pintura y tienen la capacidad de crear ficciones. En esta exposición se puede contemplar una selección de sus fotografías coloreadas, pertenecientes a tres de las series más emblemáticas de su producción, realizadas entre 2009 y 2014.

'Geotransformación' (2014) de Pablo Genovés.

En la serie Precipitados, opulentos edificios barrocos y neoclásicos, símbolos del poder ideológico, económico y cultural de la vieja Europa, son anegados por mares embravecidos, ríos desbordados, aguas que ascienden vertiginosas arrastrando masas de hielo o destruidos por el fuego. En Cronología del ruido, las ruinas se adueñan de los interiores palaciegos. Queda el barro, ladrillos, piedras y escombros. En Antropoceno, la destrucción culmina con una naturaleza que se adueña de los espacios que antes estuvieron ocupados por el hombre. En esta serie, el artista se acerca a los motivos, se detiene en los detalles, amplía fragmentos donde antes ofrecía una mirada abarcadora del espacio, como puede apreciarse en Geotransformación (2014), una de las obras mas logradas de la muestra. En los collages, las olas encolerizadas, el agua, el hielo quebrado, las ramas invasoras y los muros desconchados, son una evocación del paisaje romántico sublime, que representa el dominio de la naturaleza sobre el hombre. Todo queda anegado, quemado y arrasado después de la catástrofe: los palacios, catedrales, museos, quioscos de música, teatros y bibliotecas.
Los visionarios fotomontajes de Pablo Genovés, son una metáfora de la desaparición de la civilización humana en el planeta. Sus fascinantes imágenes de pesadilla, en las que no está representada la figura humana, causan una sensación de miedo y admiración en el espectador y transmiten la idea de la urgencia de establecer una nueva relación entre el ser humano y la tierra que no esté basada en su expolio.

http://www.pablogenoves.com/

Sonia Torres de Dios
1º Fotografía

lunes, 15 de febrero de 2016

Pedro Javier Alcázar: El Niño de las Luces.




Pedro Javier Alcázar: El Niño de las Luces.





Pedro Javier Alcázar, lorquino (Lorca-Murcia) conocido con el pseudónimo “El niño de las luces”.
Fotógrafo reconocido a nivel nacional por ser referente dentro de la fotografía nocturna y pintura de luz comenzando su investigación en el año 2009.

Esta nueva técnica (Pintura de luz) se basa en la fotografía nocturna, y es en este ambiente fotográfico donde Pedro ha destacado por su creatividad y en el desarrollo de nuevas técnicas con el manejo de herramientas de luz. Llega a construir sus fotografías utilizando su expresión corporal y el manejo de sus herramientas de luz, dando como resultado imágenes que se transforman paralelas a la realidad y muestran personajes, escenas y formas de luz creadas en su totalidad con la manipulación de herramientas lumínicas.

Gracias a su progresión su trabajo ha destacado hasta el punto que en la actualidad imparte cursos de fotografía nocturna y pintura de luz por todo el país, tanto presenciales como ON LINE. Ha sido docente en talleres y convecciones fotográficas compartiendo su filosofía de la fotografía nocturna.
Ha estado presente en Congresos fotográficos de la talla de FOTOGENIO (Mazarrón)  http://fotogenio.net , compartiendo cartel con fotógrafos reconocidos y premiados a nivel internacional.

El niño de las luces es un amante de la pintura de luz, una nueva técnica fotográfica que se ha dado a conocer en todo el mundo, ahora es el momento de compartirla con todos mostrando un mundo lleno de posibilidades y en donde el fotógrafo participa en su totalidad en la realización de su proyecto fotográfico.

Ahora es el momento para conocer el maravilloso mundo de la fotografía de una manera divertida y participativa, desarrollando la creatividad.

Puedes encontrar sus trabajos y evolución en la web de “El niño de las luces”, www.elniñodelasluces.es , sitio web en donde se muestra una idea muy clara de lo que significa la pintura de luz real.


 Escrito por: Sonia Torres de Dios
1º Fotografía A2

martes, 26 de enero de 2016

Ignasi Aballí Sanmartí





Ignasi Aballí Sanmartí (Barcelona 1958) es un artista contemporáneo próximo a las prácticas conceptuales que desarrolla su obra a través de formalizaciones, técnicas y materiales diversos (Tipp-ex, luz, polvo, retales de periódico etc.). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, ciudad en la que vive y trabaja. Ha sido profesor en la Escuela Massana entre los años 1990 y 2007.
Ha expuesto en museos nacionales e internacionales como el MACBA (Barcelona), Reina Sofía (Madrid), Fundació Serralves (Porto), Ikon Gallery (Birmingham)) y ha colaborado en varias galerías y ferias de arte.

Obra



Su obra es una reflexión sobre los límites de lo artístico y su relación con la vida cotidiana, de donde el artista extrae la mayoría de sus materiales. El devenir del tiempo se recoge en las huellas que dejan la luz, el polvo, o incluso los restos de ropa que quedan en el filtro de la secadora, y el filtraje de la memoria se aborda sobre todo desde la información de los periódicos. La cantidad inasumible de información que nos proporcionan los medios de comunicación se presenta en sus obras para su contemplación que, aunque sosegada, no desvirtúa su esencia, la acumulación.

A menudo la obra se articula a partir de conceptos opuestos como azar/control, efímero/permanente, presencia/ausencia. Algunas de las obras están realizadas desde una actitud radical de no intervención, de dejar hacer, de tal forma que el material se transforma sin la acción física del artista: botes de pintura abiertos que se han secado, cartón teñido y transformado por la luz, erc. Se trata de un proceso que, aunque abierto al azar, parte de una metodología muy controlada y de unas condiciones previas que no deben alterarse.

Otra de sus preocupaciones es la de mostrar la presencia de las cosas a partir de su ausencia, como es el caso de una estantería vacía en la que los estantes arqueados por el peso nos hablan de unos libros que no están presentes, de los cuadros que se nos muestran a través de su reflejo en el suelo del museo, o del espejo cubierto de Típp-Ex en el que se alude a la imagen del propio artista que ha ido desapareciendo a medida que éste ejecutaba la obra.

Otras obras están vinculadas al preciso espacio donde se estén exponiendo y son concebidas entonces en relación a la arquitectura de modo de que son creaciones efímeras, durando solamente el tiempo de la exposición; los barnices aplicados directamente en la pared del museo, la pintura arrancada de un espacio para volverla a utilizar en la pared de otro o el rastro de las suelas de los zapatos apoyadas negligentemente en la pared, son algunos ejemplos de ello.

Actualmente, expone en el Museo Reina Sofía: “Sin principio/Sin final”. Ignasi Aballí propone una reflexión conceptual sobre la representación y la percepción de medios como la pintura, el objeto, la fotografía, la ficción, el cine o el vídeo. Su trabajo, iniciado en los años 80, inventa y reorganiza textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que podemos atribuirles.

La muestra se centra en su producción de los últimos diez años, presentando también algunas obras menos conocidas de períodos anteriores. Se propone un recorrido articulado en torno a las ideas estéticas del artista, que cuestionan el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte, a través de fotografías, vídeos e instalaciones, esculturas, pinturas y collages, y con un ecléctico muestrario de materiales no convencionales como hojas, polvo, óxido, metales, recortes de periódicos o trozos de billetes de banco, que se convierten en fragmentos de una poética crítica de las condiciones de representación de la vida y del arte en el mundo contemporáneo.

Entre las cuestiones abordadas por la obra de Aballí, podemos destacar el análisis del lenguaje y, más concretamente, la relación entre texto e imagen, entre las palabras y las cosas o entre los objetos y los términos que los definen. Algunas de las obras presentes en la exposición que ilustran estos conceptos son, por ejemplo, la serie de las denominadas Cartas de colores [Teoría] (2007) o las Vitrinas CMYK (2010), cuatro vitrinas -una por cada color de las tintas que se utilizan en los procesos de impresión- en las que el soporte convencional de la obra de arte se convierte en la propia obra y cuya función no es la de mostrar sino la de “demostrar” la paradoja de lo que no se ve.

Otra preocupación habitual en su trabajo es la dicotomía entre presencia y ausencia, donde especula con las nociones de desaparición, transparencia, invisibilidad e ilegibilidad. El resultado es una serie de obras en las que, pretendiendo insinuar más que afirmar, la presencia de los objetos es tan solo evocada. Es un singular juego con el espectador que consiste en la búsqueda de la realidad y de la ficción, de lo visible y de lo invisible, de lo transparente y de lo opaco o de lo que se muestra y lo que se esconce. Ejemplo claro de esta práctica son entre otras series Tomar medidas (2010), donde los aparatos de medición son los protagonistas, Entre líneas (2011), instalación basada en el espacio vacío e ilegible de los textos o la dedicada a las Dobles lecturas (2010), con alusiones a autores como Bernhard o Joyce.

Destacar por último, tal vez como el elemento intrínseco más característico de este artista, su necesidad de clasificar y ordenar. Encontramos a un creador que colecciona, inventaría y dispone meticulosamente las informaciones de los periódicos o recoge las imágenes reproducidas hasta el infinito. Hablamos ahora de series como Terminologías básicas del color, Listados, Mapamundi o Inventarios, realizadas todas entre 1998 y 2015 y en las que la repetición insistente de motivos iguales a primera vista lleva a la aparición de la diferencia.

Bibliografía:

Escrito por: Sonia Torres de Dios. 1ª Fotografía.

jueves, 3 de diciembre de 2015

VICTOR GARRIDO

VICTOR GARRIDO

 Víctor Garrido, junto a dos de las fotografías que expone.

Víctor Garrido (1979) provienes de una familia de fotógrafos de Luarca – Asturias.
Es Técnico Superior de Imagen en la Escuela de Comunicación, Imagen y Sonido CEV y ha realizado el curso de fotografía documental avanzada en Blank Paper Escuela de Madrid .

Ha trabajado como asistente de fotografía y retocador ha trabajado durante 10 años en Fernando Alonso Estudio de Madrid.
En la actualidad trabaja como freelance y se ha especializado en el ajuste y preparación para imprenta o exposición del trabajo de autores como Federico Clavarino “Ukraina Pasort”, Ricardo Cases “La caza del lobo Congelado“, Belén Cerezo “Somewhere Better - Nowhere Better“, Camino Laguillo “InWard“, Iñigo Aragón “Retablos Contemporaneos“ y los Anuarios de La Escuela de Blank Paper en sus ediciones 08/09 y 09/10.
También es profesor de fotografía digital en la Blank Paper Escuela de Madrid donde imparte diversos cursos y Talleres.

Como fotógrafo lleva desarrollando desde 2007 su proyecto personal, Shanghai: Lost Identity, ensayo fotográfico sobre la ciudad de Shanghai y en la actualidad esta trabajando en nuevos proyectos personales que pronto verán la luz.

Podemos ver en su instagram un trabajo fantástico de luces y sobmbras:
https://www.instagram.com/vgarrido/

Último trabajo, Lost Identity:
http://www.mediadvanced.es/exposiciones/?id_expo=156
https://vimeo.com/33545949 (entrevista)


Sonia Torres de Dios
1º Foto

miércoles, 18 de noviembre de 2015

Lieko Shiga


Lieko Shiga

Lieko Shiga es una fotógrafo japonesa (nacida en la prefectura de Aichi en 1980) que realiza fotografía altamente creativa.

 

Biografía

Tras estudiar fotografía de una forma muy reglada y orientada al blanco y negro clásico en Japón, tuvo que salir a respirar nuevas formas de fotografía 5 años a Londres. Allí se graduó en 2004 en la Chelsea University of Art and Design con un BA en Fine Art New Media, pero ya antes había expuesto en solitario en Osaka, Japón, Floating Occurrence en 2001 y Jaques saw mw tomorrow morning en 2003.
Su limitada habilidad en Inglés y la falta de dinero para materiales le condujo hacia un enfoque introvertido y a diseñar sus propias técnicas. Inicialmente utilizaba las impresiones más baratas, que cortaba y perforaba, luego los retroiluminaba para la luz brillara a través de los agujeros, y luego fotografiaba de nuevo.
Aunque su técnica ha evolucionado, su enfoque conceptual se mantiene constante: para ella, las fotografías son la suma de las experiencias que la llevaron a un lugar, a un sitio donde se escenifica un escenario.
Posteriormente, aparte de otras exposiciones en grupo, ha presentado sus trabajos en Japón y Europa: Lilly en Osaka (2005) y París (2006), A Stranding Record en Oslo (2008) y CANARY en Fukuoka y Colonia (2011).
Sus espeluznantes imágenes de su serie Lilly consiguen crear una sensación irreal de estar en los espectadores. Con la inspiración de las populares fotografías paranormales de los primeros tiempos de la fotografía, Lieko obtuvo estas imágenes de residentes de un bloque de viviendas municipales en el este de Londres, donde ella estaba estudiando.
Canary es una secuencia cuidadosamente editada de diapositivas de fotografías fijas, proyectadas en una pared y acompañadas por una banda sonora ambiental. Las fotografías fueron tomadas por Shiga durante sus residencias en Brisbane y Sendai en 2006, y se convirtió en una obra proyectada para exposiciones en Australia y Sendai a finales de 2006.
Ha obtenido premios como: