Increibles fotografias premiadas en concursos internacionales

Bueno pues estreno el blog mostrándolos algunas fotografías profesionales premiadas en diferentes concursos internacionales, espero os guste.









Por: Patricia García Rodríguez

Un nuevo teleobjetivo de Lensbaby

Hola compañeros,

he aquí una novedad de Lensbaby, un nuevo teleobjetivo. La marca de Oregon amplia su gamma de lentes con un 80mm, una distancia focal que muchos fotógrafos consideran ideal para retratos o platos de comida.

En principio es una lente, que aparentemente no se diferencia de las que hay en el mercado, es un 80mm de foco plano, con un rango de apertura de diafragma que va de 2.8 a 22 y está formado por 5 elementos de cristal agrupados en cuatro grupos.

                                           Saludos.

                                                                               Realizado por Cristina Aparicio.

PRIMERA APORTACION

!Saludos compañeros!   

Esta sera mi primera entrada en este blog del que por lo que veo, voy a aprender mucho de este mundo gracias a mis compañeros y sus aportaciones en este espacio. 

Me considero bastante novel dentro del mundo de la fotografía y como digo, estoy aquí para aprender, pero también intentare aportar aquí todo lo que me vaya encontrando en este camino que acabo de comenzar dentro del mundo de la fotografía.  

Os voy a presentar un poco por encima un fotógrafo que descubrí este verano que creo que tiene una visión increíble a la hora de realizar fotografía de actualidad y contemporánea. Se trata de Scott Stulberg

Su pagina web es digna de ser vista, tiene una galería de fotos increíble ( http://www.asa100.com/ )

No se pone limites a la hora de disparar, aunque su trabajo esta mas dirigido a fotografía de archivo.

Reside en Arizona y como podréis ver con sus fotografías abarca todo tipo de imágenes y a cada tema que toca se le nota la calidad con lo que es capaz de tratarlo.

 Gran fotografo e inspirador.



- Carlos Navarro-

James Nachtwey

Hola a todos/as:

Después de mucho pensar que poner solo he encontrado una respuesta, James Nachtwey, un fotógrafo de Guerra. Utilizar la fotografía para enseñar lo que nadie quiere ver, para informar y para denunciar, hacer fotos con un significado.

Este hombre lleva toda su vida, retratando conflictos y todas sus consecuencias, demostrando un gran valor al decidir ir al siguiente destino. Toda la motivación es enseñar lo que se hace allí para que no se vuelva a repetir.





Si te ha gustado mi sugerencia de fotógrafo y saber más de James Nchtwey os dejo un enlace para ver un documental que hay sobre él. Un saludo a todos.

Entrada realizada por Jose Corbacho.

Miradas.

Hola a todos!

Estreno mi primera entrada en el blog presentando esta fotografía tomada en el Museo de San Francisco, de autor desconocido, con ella sólo pretendo mostrar el arte de la fotografía como yo la percibo: vamos a intentar ver lo que nadie ve!

Beatriz G.M.

Una mirada hacia el mundo.

Lo primero saludaros a todos! =)
Lo segundo, presentaros a uno de mis fotógrafos favoritos Eric Lafforgue.

Lafforgue nació en Francia en 1964, pero hasta 2006 no comenzó su carrera como fotógrafo (aunque su éxito ha sido sorprendentemente rápido).
Poco después de su primera publicación fotográfica en Flikr, comenzaron a llegarle encargos profesionales y en poco años ha llegado a ser considerado uno de los mejores fotógrafos étnicos.

 En 2008, su trabajo con el pueblo de Papúa Nueva Guinea fue exhibido en el prestigioso festival de fotoperiodismo Visa en Perpignan.
Eric Lafforgue pasa la mayor parte de su tiempo viajando y compartiendo sus encuentros en la web. Es un apasionado de los lugares que visita y se interesa particularmente por las regiones o poblaciones en peligro.
Su trabajo ha sido publicado en revistas como Time, National Geographic, BBC,etc.
Hace poco comentó en una entrevista :“Estoy un poco harto de los discursos sobre fotografía. Los fotógrafos deberían ser más modestos. Una buena fotografía lo es en un 99% debido al sujeto: La gente, el paisaje, etc. El otro 1% lo forman las habilidades técnicas, o la buena iluminación, o la suerte de estar allí en el momento preciso. Ese es mi modo de verlo”.

Para mi punto de vista, es uno de los pocos fotógrafos que realmente sabe captar la belleza en todas sus fotografías.

Aquí os dejo un enlace para que podais ver más trabajos suyos: http://www.ericlafforgue.com/

Victoria López (Vicky)

Fotografiar la Subbética Cordobesa

Hola compañeros, hace un año visité “La nava” en la Sierra de Cabra y allí se encuentra una cascada –cuya visita recomiendo ahora que llueve- y que se llama Las Chorreras, pues bien, buscando información de dicha zona descubrí a Salva Recio, alias CHUSKIN.

Creo que este hombre - así se autodefine él en su perfil: hombre y ocupado- realiza unas fotografías de la naturaleza, llenas de sensibilidad, calidad y paciencia y poniendo en valor los recursos naturales que tenemos aquí mismo en Córdoba.

Os acompaño el enlace para que conozcáis la obra de este artista.

CHUSKIN

-Pilar-

EL ARTISTA MÁS JOVEN EN EXPONER EN EL MUSEO WHITNEY

Os presento a Ryan Mcginley, fotógrafo norteamericano de mi generación. 

Una peculiaridad: en su juventud cubrió las paredes de su apartamento con retratos Polaroid de toda persona que lo visitó. Hay quienes ven cierta carga erótica en sus fotografías para mí destacan porque invitan al placer y la liberación.

Comenzó fotografiando a gays, graffiteros, skaters, músicos y artistas underground (corrompidos por el sexo y las drogas) en su entorno real. De ahí pasó a provocar situaciones teniendo como modelos a jóvenes escuálidos y desnudos (mayoritariamente amigos y conocidos suyos)

En contínua evolución, de sus últimas series merecen especial atención "Moonmilk" y "Animals" donde introduce cuevas prehistóricas como escenario, en la primera, y la interacción de sus modelos con animales, en la segunda. 

Ha publicado varios libros de fotografía. Su primer libro "Los chicos están bien" (2002) lo realizó a mano y se encargó personalmente de distribuirlo enviándolo a todas las personas que respetaba y admiraba en el mundo del arte. Así es como se dio a conocer y logró exponer una muestra individual en el Museo Whitney de Nueva York con tan sólo 26 años.

Mcginley utiliza película de 35 mm y hace sus fotografías usando una cámara Yashica T4 o una Leica R8.

En el siguiente enlace tenéis su página web donde podéis documentaros más ampliamente si os interesa. No quedaréis indiferentes ante su descaro. 

http://ryanmcginley.com/

Jorge Alba García

Sueños

Hola a todos, ante todo quiero saludar a los que son y serán mis compañeros en este curso y espero aprender mucho de vosotros, con vosotros y junto a vosotros.

La verdad es que de fotógrafos profesionales, conozco más bien poco, pues cuando ojeo una revista, me fijo en la foto y me olvido de mirar quien las realiza, un gran error por mi parte que desde hoy espero subsanar… por el bien nuestro.

Dando vueltas por la red, vi esta foto que me encantó, me encanta todo ese tipo de fotografías que juega con el contraste de lo nuevo y elegante y lo viejo, olvidado y en ruinas. Esta vez sí leí quien la realizó y me puse a investigar algo más sobre él.

Su nombre Tim Walker, un auténtico genio de la fotografía, que se ha situado en la vanguardia de la fotografía de moda, con sus imágenes épicas y llenas de belleza. Sus fotografías cuentan auténticas historias, y sus extravagantes imágenes se prolongan en el tiempo, con escenografías muy cuidadas, llenas de detalles y romanticismo que definen su inconfundible estilo.  Sus imágenes son auténticos sueños, llenos de fantasía y surrealismo.

Durante más de una década trabajó para la revista Vogue, aunque sus comienzos fueron como freelance.

Ha trabajado para las revistas más prestigiosas: Harper's Bazaar, W, Vogue, etc., y ha realizado algunos cortos cinematográficos.

Además ha ganado numerosos premios, entre los que destacan el "Isabella Blow award for Fashion Creator" y el "Infinity Award" que otorga el "International Center of Photography" en Nueva York.

También ha colaborado con el director de cine Tim Burton, quien, al igual que él, posee una visión estética muy particular. De ahí que si visitáis su web, la cual no tiene desperdicio, ya os podéis imaginar qué tipo de fotografía realiza Tim Walker. Con lo que se demuestra que con la fotografía se puede realizar todo lo que tiene uno en la cabeza…

http://timwalkerphotography.com

Os dejo el enlace y espero que la disfrutéis.

José Jorge Díaz

Comienzo mi participación en el blog compartiendo con vosotros un reportaje sobre el fotógrafo español Alberto García-Alix producido en 1999, año en que le concedieron el Premio Nacional de Fotografía. 

Aunque se le conoce como uno de los artistas de la denominada "movida madrileña" y, de hecho, retrató a muchos de los protagonistas de aquella época, la vida y la obra de este fotógrafo, nacido en León pero emigrado a Madrid siendo muy joven, se caracterizan por haberse desarrollado en los márgenes de la sociedad y por haber sabido construir una narración mítica de su vida y su entorno que puede leerse a través de sus fotografías, siempre con títulos sugerentes, a las que últimamente acompaña de textos poéticos de su puño, indagando con ello en la relación entre imagénes y palabras; una búsqueda que a mí, personalmente, me interesa mucho. 

García-Alix trabaja con formato medio, se dedica a la fotografía analógica en blanco y negro -no toca lo digital, salvo en su producción de videos- y es especialista en retrato. Su trabajo puede enmarcarse en el campo del documento social y personal.

Hace un par de meses estrenó su página web: www.albertogarciaalix.com En ella podéis encontrar su biografía y una muestra representativa de su trabajo.

Tanto en la Biblioteca Provincial como en la Red Municipal de Bibliotecas, se hallan en servicio de préstamo algunos de sus libros. Yo os recomiendo "No me sigas, estoy perdido 76-86", catálogo publicado con motivo de una exposición donde se recogían sus diez años de trabajo fotográfico, en el que puede verse su evolución como artista y el universo temático que le es propio. 

Aunque Alberto García-Alix reconoce que sus influencias son más literarias que fotográficas, nombra como fuentes de inspiración "la frontalidad de Walker Evans, el ambiente de los retratos de Arnold Newman y la discrepancia social de Diane Arbus".

José Daniel García

Junio 2012

El público asistente a los Juegos Olímpicos de Londres no podrá llevar material fotográfico de "más de 30 centímetros"

Quienes asistan a los Juegos Olímpicos que se celebran este mismo verano en Londres podrán acceder a los recintos deportivos con cualquier material fotográfico que quepa en una bolsa con unas dimensiones de 30 x 20 x 20 centímetros. Así lo ha confirmado el comité organizador del evento, que ha incluido las cámaras de fotos y vídeo en la lista de elementos sujetos a restricciones en el acceso.

El material no sólo incluye el cuerpo de la cámara y las ópticas, sino también otros elementos externos como trípodes o monópodes, que tendrán que adecuarse a las medidas impuestas para la citada bolsa.

La decisión viene a dar por buenas las directrices ya publicadas en su momento por los organizadores en el libro "Capture the Moment. A practical guide to taking photos at London 2012" y desmiente asimismo los recurrentes rumores que llegaron a insinuar una prohibición total de cámaras en los estadios.

De acuerdo a esta limitación en el tamaño y según recordaban hace ya tiempo desde Tech Radar, cámaras como la Nikon D4 o la Canon EOS-1D Xjunto a un zoom de 24-70 milímetros podrían caber sin ningún problema dentro de la citada bolsa. Aunque la cosa se complica al hablar de teleobjetivos, hay compactas de dimensiones muy reducidas -y calidad no comparable a estas réflex, evidentemente- que alcanzan focales de hasta 1.000 milímetros.

Según apunta Amateur Photographer citando las explicaciones dadas anteriormente por los organizadores en torno a este tema, la limitación en el volumen del equipo se fundamenta en impedir que las cámaras o los trípodes dificulten la visión de otros espectadores.

Según la normativa publicada por el LOCOG (London Organising Committee of the Olympic and Paralympic Games), el material fotográfico o de vídeo grabado por los espectadores no podrá ser utilizado para usos comerciales, quedando esta posibilidad limitada a los reporteros acreditados.

Carmen Barrera Medina *

Mayo 2012

Miradas cruzadas

El espacio expositivo no es el único territorio común de Pepe Mateos y Tony Valdez. Comparten también el interés por la mirada.

La FotoGalería del Teatro San Martín exhibe estos días trabajos de dos fotoperiodistas en dos muestras con nombre fuerte: Fractura expuesta , de Pepe Mateos, que reúne una serie de 24 fotos que tomó en coberturas en el diario Clarín entre 2001 y 2011 y que se presenta en simultáneo en Casa de América de Madrid, y 50.Retratos.30, de Tony Valdez, una serie de medio centenar de retratos, realizados para medios nacionales e internacionales durante los últimos treinta años.

Pepe Mateos tiene la capacidad de meterse de lleno en los conflictos sociales para señalar la herida y, en un solo movimiento, dejar ahí expuesta la fractura social. Lo hace captando sutiles cruces de miradas, gestos amasados por la furia o el dolor, sombras de la vida. Cada imagen es fotoperiodismo puro, duro y poético. La mirada ida y el cuerpo como coraza de ese hombre que parece salido de una pintura de Otto Dix, en la estación de Glew, en medio de un paro de trenes. O esas dos mujeres del comedor popular de la Villa 31 en una especie de “Sin pan y sin trabajo” contemporáneo. Y qué decir de los pasajeros cruzando las vías del ferrocarril, escapando, entre el humo denso: una foto potente (en la que no se muestra el fuego) que fue tapa del diario.

A Mateos le tocó cubrir muchos incendios en trenes y en villas. Sus fotos son efectivas, precisas: ahí está ese hombre en primer plano abandonando el asentamiento en llamas de Bajo Flores donde cientos de vecinos quedaron sin casa. Lleva un toallón al cuello, carga un parlante y un par de bolsas chicas de nylon: es todo lo que le quedó. Y esa foto condensa toda una vida.

Las fotografías de Mateos son fragmentos que reconstruyen la última década. Son imágenes que conmueven, perturban, sublevan. Nunca anestesian. Tienen una potencia singular porque son parte de nuestra historia compartida. Y a veces, cuenta Mateos, por más que quiera, no puede olvidarlas.

Hay fotos que son como escenas de películas. En muchas se evidencia el vértigo de la cobertura y simultáneamente la precisión de la imagen que no necesita epígrafe. Algunas devinieron testimonio y prueba irrefutable. Ahí está una de las fotografías que capturó en el hall de la estación de Avellaneda. Mateos tomó más de 200 imágenes, que, junto a las de otros fotógrafos, fueron incorporadas a la causa. La secuencia mostró la entrada del ex comisario Alfredo Luis Fanchiotti en la estación de Avellaneda y los instantes finales de Darío Santillán. En la foto expuesta se ve al ex comisario apuntándole, itaka en mano, a Santillán, parado junto a Maximiliano Kosteki agonizando en el suelo. Además de suministrar las fotografías, Mateos declaró como testigo durante el juicio oral por la masacre.

La de Avellaneda es una de esas vivencias que, cuenta Mateos, se le quedan ahí, pegadas bajo la piel. Hubo otras con esa misma intensidad: la cobertura del 19 de diciembre de 2001 en Plaza de Mayo, en un momento en que estaba tomando fotos en otras secciones, como la de moda. Cuenta Mateos que estaba en la plaza y pensó que aquella jornada tenía que fotografiarla. Fue al diario a buscar el equipo: cuando volvió, la represión ya había comenzado. Y en 2009, una semana antes del veredicto del juicio por la tragedia de Cromañón, cuando entró en el local incendiado: “Las paredes estaban llenas de hollín donde quedaron grabadas las huellas de los cuerpos y las manos buscando la única puerta de salida en la oscuridad”, recuerda Mateos de esa foto que fue tapa del diario.

En algunas fotos hay cruces de miradas sublimes, como el de esas damas que toman el té en Las Violetas y las mujeres de sectores populares en la calle o el de la “mala junta” de sacerdotes y oficiales. A unos pasos, un chico inolvidable mira de frente al espectador en el incendio en Villa El Cartón. “Me fascina esa dinámica de los grupos que están ligados por algo que no puede definirse, algo invisible”, dice el fotógrafo.

Tony Valdez, por su parte, cuenta que los retratos le permiten mostrar una faceta menos conocida de su trabajo. Le gusta tomarse su tiempo, lograr cierta empatía con el personaje a fotografiar. Valdez también viene del fotoperiodismo. Cubrió las jornadas de protesta contra Pinochet mientras estaba en el gobierno. Hizo un ensayo fotográfico sobre el HIV poniendo el foco en la vida cotidiana de Roberto Jáuregui. Estuvo en El Salvador cuando terminaba la guerra civil y en el Amazonas boliviano durante la quema de cultivos de coca cuando intervinieron por primera vez los marines americanos.

Para esta muestra seleccionó medio centenar de retratos de los últimos treinta años. Valdez pone en el centro de sus fotografías la mirada: ahí, intuye, se devela y rebela lo más íntimo. Un núcleo estructural a veces ominoso, a veces trágico; en todos los casos, atractivo. Son fotografías tomadas en la Argentina para medios gráficos nacionales e internacionales, con distintas técnicas que van desde una cámara con cajón pasando por una digital hasta un iphone. Por ahí desfilan personajes del arte, la literatura, el cine, la política: George Soros, Andrés Calamaro, Lito Nebbia, Guillermo Kuitca, Raúl Alfonsín, Rep, Daniel Melingo, Francois Mitterrand, Salman Rushdie, Mijail Gorbachov, Luciano Pavarotti, Martin Parr, Fito Páez, Moshen Rabbani, el Tata Cedrón, Isabel Martínez, entre otros.

Hay primeros planos intensos: Alfredo Yabrán mirando hacia arriba (los bordes del negativo sin retocar provocan un efecto extraño), la expresión torva de Rico que se cruza a unas fotos de distancia con la mirada de Werner Herzog, transparente, de águila, dirá con precisión Valdez. Y un primerísimo plano de Bussi que impresiona: los ojos desorbitados de furia.

Más allá, Maradona, completamente abstraído, sonriendo solo mientras camina después de un entrenamiento. Otros, en cambio, posan. Hay tiempo para arreglarse, sí, pero, uno intuye, pocas posibilidades de controlar la mirada, el gesto. Como si la propia piel, frente a la cámara, los abandonara.

Abril 2012

Justyna Mielnikiewicz: "Algunos las aplaudían y otros las llamaban putas"

Justyna Mielnikiewicz:  "Desde 2010 trabajo en un nuevo proyecto de larga duración dedicado a las mujeres de los países de la antigua Unión Soviética. En ese sentido, [el grupo activista] Femen es una buena historia sobre mujeres de Ucrania. Además, hacía ya tiempo que tenía interés por ellas. Femen está formado por unas 20 activistas que protestan en toples y otras 300 mujeres que les dan apoyo.  Centran sus acciones en cuestiones de derechos humanos de las mujeres. La mayoría de las activistas son veinteañeras universitarias o recién tituladas que vienen de provincia. Lo que descubrí fue un nuevo tipo de feminismo, nacido tanto de la necesidad como de un sentido de compromiso con el individualismo y los derechos personales, similar a los movimientos feministas previos que también rompieron tabús. No he visto en los medios de comunicación nada que me contase algo sobre ellas más allá de sus pechos y sentía que merecían una mirada más cercana sobre lo que les lleva a realizar este tipo de actos. Mi idea era retratar a una docena de las principales activistas y hacerles una entrevista en profundidad. Las fotografié en su vida diaria y también con alguno de los trajes que habían usado en las protestas. De esta forma creé un panorama visual sobre el tema y los problemas en los que están involucradas. Actualmente sus objetivos son la UEFA y los legisladores locales, con vistas al Campeonato Europeo de Fútbol en Ucrania [y Polonia] para luchar contra el turismo sexual y la legalización de la prostitución.  Consideran que legalizar la prostitución teniendo en cuenta el alto nivel de corrupción que hay en la policía y el funcionariado no sería bueno para Ucrania. Anna Hutsol, activista y fundadora de Femen, me recomendó ir a Ucrania en octubre de 2011 porque iban a hacer una protesta. No tenía muy claro qué sería, pero para mí era importante añadir fotografías de prensa a mi historia. Cuatro activistas en toples aprovecharon el día en que la primera ministra Yulia Tymoshenko esperaba una sentencia en el tribunal para salir de las ventanas del segundo piso de unos grandes almacenes [en el centro] de Kiev y encadenarse mostrando pancartas que rezaban 'Enciende tu mente', instando a la gente a tomar consciencia. En la calle algunos las aplaudían y otros las llamaban putas. Ellas se encadenaron para que la policía no lo tuviese fácil para sacarlas de allí; de hecho, esperaron a que finalizara la protesta para arrestarlas. La detención fue bastante dramática, pero creo que estaban preparadas para eso. No era la primera vez que pasaba ni que conseguían su objetivo. Son muy profesionales en sus protestas. Lo que puede parecer un acto espontáneo es en realidad una acción muy bien preparada. Cubriendo esta historia descubrí un puñado de gente joven con mucha energía, gente que está preparada para arriesgar su propia seguridad y libertad y que pasa a la acción por un ideal en vez de quejarse de la vida. Lo que más me gusta de ellas es su sentido de la ironía y su capacidad de abstracción. Yo las veo como huérfanas de la Revolución Naranja de Ucrania. Femen se formó durante el corto periodo de tiempo de cambios y reformas de la presidencia de Viktor Yushchenko. Por aquel entonces ellas mismas llamaban a la policía para informar del lugar en el que iban a realizar una protesta, y la policía las protegía. Ahora las arrestan y encarcelan. La presión policial va en aumento desde que montaron un acto de protesta en el colegio electoral de Viktor Yanukovych, el actual presidente. Sin embargo, las chicas permanecen impasibles y continúan sus acciones con un presupuesto paupérrimo, captado con donaciones. Me gustaría que pudieran entrar en el parlamento o formar parte del juego político dominante para que aportasen ideas frescas en el seno de la toma de decisiones."                                     Carmen Barrera Medina*

Marzo 2012

PhotoEspaña 2012 arranca cuestionando el exceso de imágenes

PhotoEspaña 2012 comienza su andadura, y no podía escoger mejor portada que la exposición "Ansiedad de la imagen".  Colgada en las paredes de la casi mítica sala Alcalá 31, la muestra analiza la saturación de imágenes en la llamada era de la información, abriendo una edición del evento madrileño más austera y comedida que en años anteriores pero con buenas vibraciones. Son catorce autores de nueve países los que nos proponen la primera reflexión del festival: no es sencillo para el Homo sapiens del siglo XXI vivir viendo cómo los demás mueren.  Absorbidos por Internet, los móviles y las redes sociales, nos bombardean imágenes que nos presionan y condicionan nuestra visión sobre los cambios sociales, la radicalización entre los estratos de la población o el choque entre la tradición y la modernidad.  Es lo que los organizadores de la muestra llaman la incertidumbre del cambio: un constante vaivén condicionado por el pasado y que a su vez condiciona el futuro.  Prueba de este fenómeno son las 75 piezas de la muestra, firmadas por Matteo Basilé, Winfried Bullinger, Chen Chieh-jen, Nir Evron, Miki Kratsman, Lee Yongbaek, Lu Nan, Miao Xiaochun, Eugenia Raskopoulos, Wang Guofeng, Wang Ningde, Wu Daxin, Daniel Schwartz y Ni Haifeng. "Ansiedad de la imagen" supone además toda una declaración de intenciones por parte de PhotoEspaña. Lejos del arte más o menos reflexivo disfrazado de trivialidad, esta colección derrocha talento y técnica.  Carmen Barrera MEdina*

Febrero 2012

Dan el último adiós a Hector García en Bellas Artes

Héctor García Cobo, nacido en Ciudad de México,   el 23 de agosto de 1923 y ha fallecido también en Ciudad de México, 2 de junio 2012) fue un fotógrafo mexicano, llamado por Carlos Monsiváis, Fotógrafo de la Ciudad.³ 

Fue hijo de Amparo Cobo Soberantes, de nacionalidad mexicana, y de Ramiro García de Porto, de origen portugués. Héctor García es reconocido por su extensa obra fotográfica que retrata la vida del México de mediados del siglo XX.

 Reportero gráfico o foto reportero – como se hacia llamar así mismo –, trabajó para distintas publicaciones como Mañana, Siempre!, Revista de América, Time, Life Cruceiros, Novedades, entre otras. Recibió en tres ocasiones el Premio Nacional de Periodismo en los años 1958, 1968 y 1979; el premio en el 2002 e ingresó a la Academia de Artes en el 2005; entre otras importantes distinciones y reconocimientos. Viajero incansable, recorrió con su cámara América, Europa, Medio Oriente y Asia.

Estudió en el Instituto de Artes y Ciencias Cinematográficas de México, donde fue discípulo de Manuel Álvarez Bravo y Gabriel Figueroa.⁴

Desde 1945 trabajó como periodista gráfico, tanto en México como en el extranjero.

 Fue también docente en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM.

                                 

                                       Carmen Barrera Medina*